Actualmente, el término vanguardia suele utilizarse para referirse a aquello que es lo más actualizado, moderno o avanzado dentro de un ámbito determinado. Sin embargo, en sus orígenes, la noción de vanguardia estaba vinculada a lo contracultural, a los movimientos revolucionarios y a todo aquello que cuestionaba o rompía con el canon establecido. Con el paso del tiempo se ha vuelto común pensar que fueron los artistas europeos quienes dieron origen a las primeras vanguardias, e incluso que estas fueron las únicas.
No obstante, el arte de cada región y de cada época habla por sí mismo desde su propio contexto histórico y social, y no puede entenderse como algo universal que se aplica de la misma manera en todos los lugares. Teniendo esto en cuenta, Latinoamérica también desarrolló sus propias vanguardias, las cuales respondieron a problemáticas, realidades y procesos culturales específicos de la región.
Pensar las vanguardias únicamente desde una mirada europea u occidental implica el riesgo de denigrar o desvalorizar los movimientos artísticos surgidos en América. Como se mencionó anteriormente, cada obra adquiere sentido dentro de su contexto particular; por lo tanto, las vanguardias latinoamericanas también deben comprenderse a partir de las condiciones históricas y culturales en las que surgieron. Es precisamente en ese vínculo con su tiempo —marcado por procesos de cambio, revoluciones y transformaciones sociales— donde radica su valor y su importancia dentro de la historia del arte.
Relevancia de las vanguardias.
En el momento en que surgen las vanguardias latinoamericanas, el contexto histórico estaba marcado por un fuerte sentimiento de transformación. En distintos países de la región se vivía un ambiente de revolución, de reafirmación de la independencia y de una mirada orientada hacia el futuro. Este proceso implicaba también la búsqueda de una identidad propia para cada nación, tanto en el ámbito político como en el cultural.
Dentro de este contexto surgió una mayor libertad para experimentar y apartarse del canon tradicional o de lo que se consideraba convencionalmente como arte. Si bien existía una fuerte influencia europea, esto no impidió que los artistas latinoamericanos buscaran desarrollar su propio estilo y sus propios métodos de representación. De esta manera,
intentaron construir un lenguaje plástico que respondiera de forma más directa a su realidad social y cultural, afirmando así una expresión artística más autónoma y vinculada con su contexto.
• Artísticamente: Por una parte, en Europa las vanguardias surgieron con el objetivo de romper con la tradición artística y con la constante búsqueda de un mimetismo con la realidad, lo que llevó a muchos artistas a abandonar el figurativismo. Por el contrario, en Latinoamérica el arte de vanguardia se desarrolló con un fuerte espíritu nacionalista y con la intención de reivindicar las raíces prehispánicas. A través de estas propuestas artísticas se buscaba también consolidar los proyectos de nación y promover un arte con mayor compromiso social, más cercano y accesible para la población.
• Socialmente: Fue un proyecto que sirvió para crear un sentimiento de nacionalidad para sociedades que se encontraban fragmentadas. Como ejemplo podemos poner el caso de México y José Vasconcelos y su texto de ‘’La raza cósmica’’ y que planteaba la organización de la población por medio de la educación y el arte y que de hecho fue por el que se inicio el proyecto del muralismo mexicano que dio como fruto a los conocidos ‘’Tres grandes.’’
• Política: Para estos momentos varios países aún tenían una fuerte dependencia de los países colonizadores; aún cuando ya se habían consumado las batallas de independencia. Por este motivo es que se miraba al futuro con esperanza de marcar su propio rumbo y de que no necesitaban de otros para poder interpretarse a si mismo ni de decir cuál sería su camino político, económico e ideológico para integrarse a la globalización.
Rufino Tamayo.
Parte de este sentimiento de identidad nacional no siempre fue compartido por todos, y Rufino Tamayo fue uno de ellos, pues el apelaba más a la idea de la multiculturalidad del país y de la región en general de Latinoamérica.
En su trabajo no encontramos una agenda política y tampoco el figurativismo que apelaban muchos artistas del momento que buscaba establecer la idea de la ‘’Mexicanidad.’’
(Imagen de: Poggi)
Autor: Rufino Tamayo
Título: Sandías
Año: 1968
Técnica: Óleo y acrílico sobre tela
Medidas: 130.3 x 196.5 cm sin marco / 59.5 x 223.5 x 9 cm con marco
Ubicación: Colección Museo Tamayo Arte Contemporáneo, INBAL- Secretaría de Cultura
Quizá Sandías no sea una obra tan monumental ni tan cargada de elementos como los grandes murales realizados por “los tres grandes” del muralismo mexicano; sin embargo, su importancia radica en otra dimensión de la propuesta artística de Rufino Tamayo. Como el propio artista mencionó:
“Mi sentimiento es mexicano, mis formas son mexicanas, pero mi concepto es una mezcla... Esto quiere decir que, en última instancia, no son las características que mi nacionalidad me ha impuesto lo verdaderamente importante en mi ser... Ser mexicano, nutrirme de la tradición de mi tierra, pero al mismo tiempo recibir del mundo y dar al mundo cuanto pueda: este es mi credo de mexicano internacional.” (LAS, 2002)
A través de esta reflexión se puede observar que, aunque Tamayo no seguía la misma línea discursiva promovida por las instituciones culturales de la época ni el programa
ideológico del Muralismo mexicano, su obra también plantea una búsqueda de identidad propia y nacional. En lugar de centrarse en el discurso político o histórico, Tamayo desarrolló un lenguaje plástico basado en el color, la forma y la sensibilidad visual.
Considero que su trabajo influyó notablemente en la manera en que se asocia la identidad visual de México con lo colorido. Hoy en día, cuando alguien menciona México, suele surgir inmediatamente la imagen de colores intensos, cálidos y vibrantes, una estética que la obra de Tamayo contribuyó a consolidar dentro del imaginario cultural. Esto si lo comparamos con las vanguardias europeas que tienen colores más neutros.
Anita Malfatti
Anita Malfatti fue una de las artistas que rompió con el tradicionalismo académico dominante en las escuelas de arte de su época. A diferencia de muchos artistas latinoamericanos que viajaban a países como Francia o España para formarse, Malfatti estudió en Berlín y posteriormente en Nueva York. Durante estos años entró en contacto con el expresionismo alemán y con las corrientes más experimentales del arte moderno; incluso llegó a conocer a Marcel Duchamp. Más tarde regresó a Brasil, donde su trabajo se convirtió en un antecedente fundamental para lo que posteriormente se consolidaría como la Semana de Arte Moderno.
Este evento fue de gran importancia, ya que en ese momento en Brasil existían expectativas muy rígidas sobre lo que debía ser el arte. Tanto en las academias como en las exposiciones predominaban criterios académicos previamente establecidos que definían qué era aceptable dentro del campo artístico. Sin embargo, algunas obras presentadas en este contexto rompieron con esas convenciones. Entre ellas destaca una de las piezas más representativas de este momento: “O Homem Amarelo”, obra que desafía los cánones académicos y evidencia la influencia de las vanguardias modernas en la producción artística brasileña.
(Imagen de: Cultural)
Título: O Homem Amarelo
Artista: Anita Malfatti
Año: 1915–1916
Técnica: Óleo sobre tela
Dimensiones: 61 × 51 cm (aprox.)
Ubicación actual: Museu de Arte de São Paulo (MASP), São Paulo, Brasil
En contraposición con otros retratos de la época, esta obra genera en el espectador una sensación de encierro, de cierta claustrofobia e incluso de incomodidad o enfermedad. La pintura no ofrece un espacio visual estable que permita sentirse en equilibrio; por el contrario, la composición transmite una clara inestabilidad. El espacio aparece desalineado y fragmentado, como si la imagen estuviera construida más por partes aisladas que por una unidad coherente: la corbata parece funcionar como un elemento independiente, la solapa del traje como otro, y los vacíos del fondo como fragmentos adicionales que no terminan de integrarse entre sí. Esta fragmentación refuerza la sensación de tensión y encierro.
Esa misma falta de armonía se refleja en la figura del hombre de traje: su vestimenta, su postura, el tono de su piel e incluso la manera en que está sentado contribuyen a construir una imagen descompuesta y visualmente inestable.
Además, el personaje representado no es un político ni un rey, como era común en muchos retratos tradicionales, sino un individuo ordinario. El hombre del cuadro era un inmigrante italiano pobre y excluido, con una cara que denota enfermedad, mirada perdida y roja quizá por la enfermedad o por la tristeza. Esta persona vive apretada en un entorno social que ya se ha industrializado y cuyas ciudades se sienten asfixiantes y que enferman.
A pesar de que esta obra fue duramente criticada en su momento, marcó un punto importante en la historia del arte moderno en Brasil, ya que abrió el camino para que propuestas artísticas similares pudieran encontrar un lugar dentro del mundo del arte. Como suele ocurrir en épocas de cambio, este tipo de obras contribuyeron a liberar al arte de los límites impuestos por el academicismo, el realismo estricto y el mimetismo. De esta manera, se demostró que alterar o distorsionar la realidad también puede ser una forma más eficaz de representar las emociones, así como las tensiones humanas y sociales de una época. Así O Homem Amarelo se convirtió en una obra para el desarrollo y el inicio del arte moderno de Brasil y un antecedente de la Semana del arte moderno.
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